O caso de Van Gogh: o que é mais importante, a vontade do pintor ou a nossa curiosidade?

21 03 2012

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A Arlesiana, 1888

[Retrato de Mme Ginoux]

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853-1890 )

óleo sobre tela,  92 x 73 cm

Metropolitan Museum of Art, Nova York

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Nos últimos anos tivemos uma verdadeira onda de descobertas de novos quadros de Vincent Van Gogh.   Em 2010, um quadro que se suspeitava falso, provou ser verdadeiro: uma pequena paisagem, de 1886, retratando o moinho Le Blute-fin em Paris.  A história curiosa, ainda que comum, do colecionador apaixonado que acredita ter em mãos um verdadeiro Van Gogh, defendendo-a mesmo quando muitos estudiosos não acreditavam, deu a  Dirk Hannema (1895-1984), dono da pintura e fundador de um pequeno museu na cidade de Zwolle, uma grande  vitória sobre seus contemporâneos descrentes, quando o quadro foi considerado um verdadeiro Van Gogh sem qualquer suspeita de dúvida, pelo Museu Van Gogh de Amsterdam…  Pena que tenha sido uma vitória posterior à morte de Hannema.  Uma vitória póstuma!

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O moinho Le Blute-fin em Paris, 1886

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853-1890 )

óleo sobre tela

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Quando, ainda em 2008, outro quadro de Van Gogh – dessa vez : o rosto de uma camponesa –  foi descoberto adormecido sob outra pintura dele mesmo, uma tela com de um terreno com capim, foram poucas manchetes a respeito.  Mas o incidente lembrou outro, de 2007, ano anterior, quando especialistas em Van Gogh descobriram também debaixo da tela  A Ravina, 1889,  outra tela retratando uma vegetação nativa.   É fato conhecido que muitos pintores, e Van Gogh está incluído entre esses, re-utilizaram telas quando o trabalho inicial não se mostrou satisfatório para o próprio pintor.  Preferindo não abandonar uma tela, que pode ser dispendiosa para tantos, o pintor simplesmente pinta por cima de um quadro ou inacabado ou que ele considera fraco.

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A ravina, 1889

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853-1890 )

óleo sobre tela

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No caso de A Ravina houve motivo para grande alegria com a descoberta, já que a existência de um quadro retratando uma vegetação selvagem já havia sido preconizado por um desenho  de vegetação selvagem, bem conhecido dos especialistas.

Hoje, os jornais estão cheios de notícias sobre a “novas telas” de Van Gogh.  As novas telas são duas:  uma, a Natureza morta com flores do campo e rosas cuja autoria estava em debate, e a outra, a tela de dois lutadores, sobre a qual Van Gogh pintou a natureza morta. Sabia-se da existência da tela com lutadores pois ela havia sido mencionada por Vincent em carta ao seu irmão Theo.  Mas sabê-la sob a natureza morta, ajuda a autenticação desta.

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Natureza morta com flores do campo e rosas

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853-1890 )

óleo sobre tela

Museu Kröller-Müller em Otterloo, Holanda.

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Realmente é excitante termos a clara autenticação de algum quadro cuja autoria possa estar em debate.  Também é bom sabermos da localização de um quadro que o pintor menciona em suas cartas ao irmão.  Mas tenho muitas dúvidas quanto à divulgação dessas imagens que estão sob as pinturas conhecidas.  A pergunta que preciso levantar é sobre a ética de fazermos públicas imagens que o próprio pintor escolheu deletar de seu acervo.  Não será o mesmo que ir na lata de lixo de um escritor examinar os trechos de um romance que ele desistiu de escrever?  De que serve isso além de satisfazer o nosso voyeurismo, a nossa curiosidade?

Quando Vincent Van Gogh decidiu cobrir com uma natureza morta a tela dos lutadores, e não outra das dezenas de telas que ele tinha em seu quarto, é porque de todas aquelas essa era a que menos o satisfazia.  Ele, assim como dezenas e dezenas de outros pintores escolheu “apagar” aquele trabalho.  Que direito temos nós de revelarmos o que ele escolhera descartar?

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A Arlesiana com luvas e guarda-chuva, 1888

[Retrato de Mme Ginoux]

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853-1890 )

óleo sobre tela,  92 x 73 cm

Museu d’Orsay, Paris

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Assim como respeitamos o direito a que ele se deu de manter à vista de todos os diversos retratos de Mme Ginoux, conhecidos com A Arlesiana, sem considerar tapá-los com uma nova pintura, apesar de serem, muito parecidos,  variações sobre o mesmo tema, pergunto se não é um invasão de seus desejos fazer com que essas imagens —  com as quais ele não estava satisfeito o suficiente para mantê-las “vivas”  ao alcance do olhar alheio — sejam feitas públicas.

Acredito que os especialistas, os curadores dos museus e os donos dessas telas tenham o direito de saber o que está por trás.  Mas fica aquele sentimento de que eles são mais ou menos como médicos que têm um paciente nas mãos e o dever de não divulgar dados publicamente das doenças que o aflige.  É como se estivéssemos olhando Van Gogh se despir pelo buraco da fechadura.  É voyeurismo.  Há uma discrição que se faz necessária.  Ou não?  Após a morte vale tudo?





Imagem de leitura — Keisai Eisen

11 01 2010

Senhora oriental lendo à luz do luar

Keisai Eisen (Japão, 1790-1848)

xilogravura policromada

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 Keisai Eisen – ( Edo [Tokyo]1790-1848)  Nascido na família Ikeda, filho de um calígrafo e poeta, que aparentemente aprendeu com seu pai a maneira de usar o pincel.  Já bem jovem foi instruído seu pai demonstrou grande confiança num futuro brilhante para o filho colocando-o para estudar o estilo Kano com o pintor Hakkerisai.   Logo depois da morte de seu pai, Eisen procurou um padrinho no pintor Kikugawa Eizan, que era exemplar na pintura das belezas bijin, e com quem Eisen treinou nno estilo ukiyo-e.    Em 1820, já se manifesta com estilo próprio.   Com Kunisada e Kuiyoshi, Eisen é considerado um dos maiores artistas do estilo ukiyo-e  do período “decadente”.





Imagem de leitura — Rosso Fiorentino

10 12 2009

Dois querubins lendo, 1518  [DETALHE]

Altar da Virgem Maria no trono com Menino Jesus e Quatro  Santos

Giovanni Battista di Jacopo, ou Rosso Fiorentino, ou Il Rosso ( que quer dizer O Ruivo)  (Florença 1494 — Fontainebleau 1540)

óleo sobre madeira  — 172 x 141 cm

Galleria degli Uffizi, Florença.

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Rosso Fiorentino, foi um dos grandes pintores maneiristas da Itália.  Nascido em Florença, foi paprendiz de Andrea del Sarto, junto com Pontormo. Depois de 1527, foi para França, onde Permaneceu até sua morte. Junto com Francesco Primaticcio, era um dos principais mestres da Escola de Fontainebleau, no Castelo de Fontainebleau.





Imagem de leitura — Auguste Toulmouche

5 12 2009

Lição de leitura, 1865

Auguste Toulmouche ( França, 1829-1890)

Óleo sobre tela, 36 x 27 cm

Museu de Belas Artes, Boston, EUA

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Auguste Toulmouche (França, 1829-1890)

Nascido em Nantes, Auguste Toulmouche foi um artista de bastante presença nos Salões parisienses do século XIX.  Ficou conhecido pelo retrato de belas mulheres em ambientes de luxo.  Fez parte de um seleto grupo de artistas franceses como Jules Émile Saintin ( 1829-1894) e Charles Joseph Frederick Soulacroix ( n. 1825) que se especializaram, por assim dizer, no retrato de vestimentas de época dentro do enfoque da pintura de gênero.  Tinha uma visão romântica da vida diária que seduzia pelo seu idealismo e sentimentalismo.  Principalmente nos momentos do dia a dia das classes mais abastadas.





Imagem de leitura — Henri Matisse

12 11 2009

Henri Matisse, (França) Liseuse au parasol, 1921, OST, Tate Gallery

Leitora com guarda-sol, 1921

Henri Matisse ( França 1869-1954)

óleo sobre tela

Tate Gallery,  Londres

 

Henri-Émile-Benoît Matisse  — ( França 1869-1954) —  foi um dos maiores e mais importantes artistas plásticos do século XX.  Foi desenhista, escultor e pintor. Nasceu em 31 de dezembro de 1869 em  Le Cateau-Cambrésis e faleceu em 3 de novembro de 1954 em Nice. Foi um dos principais representantes do movimento artístico conhecido como Fauvismo.  Mas como todos os grandes artistas sua obra tornou-se independente de qualquer movimento artístico, chegando a um estilo seu, único.  Sua importância e influência na arte são de  imensa magnitude, principalmente na  liberação do uso de cores, aliada a um desenho exemplar.  Mais tarde, no final da vida, volta a influenciar a arte do mundo ocidental trabalhando com colagens e imagens recortadas.





Imagem de leitura — Lord Frederick Leighton

11 10 2009

Lord Frederick Leighton (1830-1896) Study_At_a_Reading_Desk 1877  OST Sudley House LiverpoolEstudando no cavalete de leitura, 1877

Lord Frederick Leighton (Inglaterra, 1830-1896)

Óleo sobre tela

Sudley House, Liverpool

 

Lord Frederick Leighton —  (Inglaterra, 1830-1896) —  1º Barão de Leighton, foi um pintor e escultor inglês de renome.  Não foi nobre de nascimento, tendo nascido de uma família de comerciantes  importadores/exportadores.  Depois de se formar na Inglaterra pela University College School em Londres, Frederick Leighton foi para a Europa continental aprimorar seus estudos.  Lá  depois de algumas aulas com Eduard von Steinle, embarcou aos 24 anos para a Itália, onde estudou com Giovanni Costa.  Radicou-se em Paris, onde viveu por cinco anos a partir de 1855.  Em 1860 retorna à Inglaterra e faz parte do movimento pré-rafaelita.  Um excelente pintor, Frederick Leighton deixou uma vasta obra onde se incluem, entre outros, quadros com temas históricos, bíblicos e clássicos.





Imagem de leitura — Ignat Bednarik

4 10 2009

Ignat Bednarik (Rumênia) 1882-1963 Hombre joven leyendo-Jovem rapaz lendo, s/d.

Ignat Bednarik (Romênia, 1882-1963)

aquarela sobre papel

 

Ignat Bednarik nasceu em Orsova, na Romênia em 1882.  Em 1894, aos 12 anos ganhou seu primeiro prêmio de pintura enquanto estudava na escola secundária em Turnu Severin.   Em 1898 entrou para a Escola de Belas Artes em Bucarest.  Em 1901, vai para Viena estudando quase que por conta própria os mestres das artes nos museus, frequentando esporadicamente a Academia de Belas Artes de Viena.  Vai depois para Sofia, Bulgária, onde passa dois anos se formando artisticamente até que em 1908 retorna a Bucareste e então começa uma vida extremamente atuante nas artes plásticas do país.   Combate junto a outros artistas, através de caracterizações gráficas e envolvimento total, as forças alemãs nas duas guerras mundiais, do século XX.  Em 1938 fica cego.  Faz uma operação na vista em 1947 que restaura parcialmente sua visão.  Mas volta à cegueira em 1961.    Trablahou praticamente em todos os gêneros de pintura: retrato, paisagem, natureza-morta, pintura de gênero.  E também foi bastante versátil no uso de tecnicas de pintura: óleo, aquarela, desenho a nanquim, pastel.








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